Dos estudiantes universitarios, David (David Naughton) y Jack (Griffin Dunne), que viajan de mochileros por Europa se encuentran caminando por los páramos de Yorkshire, camino de Londres. Allí la noche les cae encima y se refugian en La oveja degollada, un pequeño pub en el pueblo de East Proctor. Los parroquianos del lugar se muestran muy hoscos e introvertidos con los visitantes. David y Jack deciden seguir camino por la noche por no quedarse más tiempo en aquel pub, no sin antes recibir el consejo de no abandonar nunca la carretera. Pero de manera accidental se salen del camino y son atacados por un animal salvaje, un lobo. Jack muere pero David es rescatado por unos hombres armados del lugar. Semanas después se despierta en un hospital de Londres y le informan de lo sucedido. La gente de East Proctor asegura que un loco perturbado les atacó. David comienza a tener salvajes pesadillas en las que siempre muere alguien querido. Antes de dejar el hospital el fantasma de Jack se le aparece y le dice que el ataque lo realizó un hombre lobo y que para que su espíritu pueda descansar la estirpe del hombre lobo debe morir. Y el último de ellos es David. Al haber sido mordido por un hombre lobo en la próxima luna llena se convertirá en uno de ellos.

Estrenada en 1981 y alejado, aunque no mucho, de sus comedias más conocidas, John Landis (Desmadre a la americana, Los Blues Brothers, Oscar, El principe de Zamunda, Superdetective en Hollywood 3), se inicia en un género terror, el cual retomaría en el futuro con algunos capítulos de la serie “Masters of Horrors”. A pesar del género Landis es Landis y no pudo resisitir la tentación de meter momentos cómicos a lo largo de la cinta, algunos más acertados que otros, que en ocasiones rompen el ritmo pero que no dejan de ser divertidos (como ese policía patoso de Scotland Yard que parece el inspector Clousseau). En el lado opuesto tenemos algunas escenas de lo más violentas y sangrientas como los ataques del lobo (miembros cercenados, cabezas rebotando, dentelladas salvajes), las pesadillas de David con hombres lobo nazi o el monumental accidente de tráfico que ocurre hacia el final en Piccadilly Circus donde el director parece recrearse en la desgracia con varios detalles tan violentos como innecesarios. En un punto medio tenemos a Jack en forma de fantasma, que aparece varias veces, en cada una en un grado mayor de descomposición, para convencer a David de que se mate y así dejar de vagar por el plano físico. Especialmente graciosa y macabra la escena del cine porno en la que Jack le presenta a David a las personas que ha matado siendo lobo y entre todos le aconsejan diversas maneras de suicidio, por el bien de todos, claro.

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¡Como me gusta Quino! Junto con Forges, son mis dibujantes de tiras cómicas favoritos. Pero Quino es más que un humorista gráfico.

Yo empecé leyendo a Quino de muy pequeñito, mi padre tenía la colección de los Mafalda, y me encantaba leerlos, aunque no entendía la mitad de los chistes, porque tienen una gran carga política y social. En ellos hay multitud de referencias a los problemas de Argentina, y de todo el mundo.

Su auténtico nómbre es Joaquín Salvador Lavado y nació en Argentina 1932. Entre los años 1964 y 1973 publicó la tira cómica de Mafalda. Si nunca habeís leído nada deberías incluir el hacerlo en vuestras directrices principales (entre no dejar que por inacción un ser humano sufra daño y no matar a un directivo de la OCP estaría bien).

Lo mejor de Mafalda son sus personajes. Puedes disfrutar perfectamente de una tira leída de forma individual, pero igual que ocurre con Peanuts o Friends, una vez que conoces el carácter de los personajes te lo pasas pipa. Ahí va una breve descripción (que no hace justicia) de las personalidades de cada uno.

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Matt Harding. Que buen tipo. De pequeño quería dedicarse a crear videojuegos. Pero un buen día, con 31 años, decidió dejar el trabajo e irse a recorrer Asia con sus ahorrillos. Un día de esos. Un colega le apuntó con la cámara y le dijo: “Ey! Haz El Baile!” refiriendose a un baile tonto que se había inventado. Lo hizo y, dos años más tarde, se hizo famoso. Aún no sabeis quien es? Tal vez le recordeis por este video:

Ya sabeis quien es no? Jeje! Bueno, he de decir que he querido dedicarle mi post a este friki porque, para mí, se lo merece. Mucha gente se ha hecho famosa por internet de… como decirlo… malos modos… O bien poniendo en ridículo a alguien o a si mismo, bien insultando a otras personas… No se pero me da la impresión de que no les importa el cómo. Lo único que quieren son sus 15 minutos de fama.

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The Man Who Saves the World, o como todo el mundo la conoce, “La Star Wars Turca” es posiblemente la película más friki y aberrante que se ha hecho nunca (superando incluso a “Plan 9 From Outer Space”), pero como a día de hoy es considerada una películas de culto del cine de Serie Z, vamos a hablar de ella.

1982, Turquía. La situación del país hacía que no fuera posible que llegaran muchas películas americanas a sus pantallas, por lo que los directores locales optaron por los remakes de las películas que triunfaban en aquella época, adaptándolas a sus actores, directores y localizaciones.

La película empieza con los “típicos” créditos. Digo típicos por decir algo, por que la verdad es que tienen pinta de ser cartulinas movidas a mano, pero bueno, sigamos. Lo siguiente que nos encontramos es una introducción en la que una voz en off nos cuenta una historia sin pies ni cabeza sobre una guerra entre galaxias, destrucción y naves espaciales entre otras cosas, pero lo verdaderamente acojonante de la escena (y perdón por la expresión) es que meten imágenes originales de La Guerra de las Galaxias o Metrópolis, y encima las meten repetidas.

Tras esta primera sorpresa, llega otro momento que te deja de piedra. Los dos protagonistas de la peli, aparecen montados en sus X-Wings (sí, las mismitas que se usan al final del Episodio IV de Star Wars) atacando a la Estrella de la Muerte sin que nadie sepa por que lo hacen. Impagable es la escena de las naves marcha atrás. En la batalla, nuestros héroes son derribados y llegan de casualidad a un planeta desértico que desconocen. Allí es donde empieza lo bueno.

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Durante unos ensayos con bombas atómicas en el Polo Norte el Profesor Thomas Nesbitt (Paul Christian) descubre que una enorme bestia prehistórica vaga por los páramos helados, posiblemente liberada de alguna prisión de hielo que la ha mantenido en hibernación durante los últimos 100 millones de años. Nesbitt sufre un accidente cuando ve por primera vez a la bestia y es enviado a un hospital de Nueva York para que se recupere de sus heridas. Alertado el Coronel Evans (Kenneth Tobey) sobre lo sucedido este resta importancia al asunto y lo achaca a delirios de Nesbitt. Durante los dias que pasa en el hospital descubre por medio de la radio y los periodicos que se han denunciado diferentes ataques a pesqueros a lo largo de la costa de Canadá y Estados Unidos. En todos los casos aseguran que fue una especie de serpiente marina. Con estas nuevas evidencias Nesbitt se dirige al Museo de Ciencias Naturales de Nueva York y le expone el caso al respetado profesor de paleontólogia Thurgood Elson (Cecil Kellaway) con la esperanza de que le crea, ya que su nombre y su opinión serían suficientes para hacer que se investiguen los hechos. A pesar de sus muchas explicaciones el profesor no le cree, pero sí lo hace su ayudante, la señorita Lee Hunter (Paula Raymond). De entre las muchas ilustraciones de animales prehistóricos que posee Lee, Nesbitt identifica al suyo, un Rhedosaurio. Para conseguir las pruebas que necesita para que no le tomen por loco se presenta de nuevo ante el profesor Elson con uno de los supervivientes del ataque a un pesquero, quien identifica al monstruo con la misma ilustración que Nesbitt. Elson convence al Coronel Evans de que podría ser cierta la historia y deciden investigarlo ya que según el profesor, el Rhedosaurio podría estar dirigiendose a Nueva York.

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Aún recuperandome del duro revés que ha causado en mi Spiderman: Un nuevo día, decidí buscar algún comic verdaderamente bueno. Y, entre otros muchos, me encontré con 1602, de Neil Gaiman (Los hijos de Anansi, American Gods). Dibujado por Andy Kubert.

Quería escribir un cómic con la misma sensación de ligereza, y de pertenecer a un mundo recién nacido, que había visto en aquellas primeras historias de los cómics Marvel. Escribir algo que no fuera un pastiche, pero que tanto Stan Lee como Jack Kirby o Steve Ditko hubieran reconocido.

Escribir sobre un Universo Marvel que había nacido, por sus propios motivos, cuatrocientos años antes.

Palabras de Neil Gaiman. Y, efectivamente, de eso trata 1602. Una especie de What if…? que cuenta que pasaría si los superhéroes hubiesen aparecido en el siglo XVII.

La historia nos situa en una epoca de malos augurios y presagios apocalípticos. La inquisición persigue a los “nacidobrujos”, mutantes renegados que solo encuentran cobijo en una institución educativa dirigida por Carlos Javier.

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Hace años vi esta película cuando la pusieron en la televisión, pero no la recordaba tan dura. Posiblemente ahora sea más consciente de cosas que antes pasaba por alto, y de ahí la nueva visión.

“Cuando el viento sopla” es la adaptación cinematográfica hecha en 1986 de la novela del mismo nombre escrita por Raymond Briggs. La película (y la novela) nos cuenta la historia de James y Hilda Bloggs, una pareja de jubilados que viven en una remota zona rural de Gran Bretaña no muy alejada de Londres. Ambos, supervivientes de la Segunda Guerra Mundial, mantienen un sentimiento patriótico muy fuerte y confían plenamente en su gobierno. Y por eso, cuando el fantasma de una nueva guerra contra el comunismo empieza a invadir el país, no dudan en hacer caso a los mandatarios y construir en el salón de su casa un “refugio nuclear” con las puertas de las habitaciones, unos cojines y algún colchón.

James, sigue al pie de la letra el folleto informativo que esta repartiendo el Gobierno para poder sobrevivir en caso de una explosión nuclear. Pinta las ventanas de blanco para evitar la radiación, consigue unas bolsas de papel donde resguardarse en el momento de la explosión, y un sin fin de consejos que intentan cumplir.

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Un hombre callado y misterioso al que apodan “Armónica” (Charles Bronson) llega a Sweetwater buscando a Frank (Henry Fonda), para ajustar cuentas pendientes desde hace mucho tiempo. En su camino al pueblo se cruza con Cheyenne (Jason Robards), un forajido que acaba de escapar de los federales y que va a reunirse con su banda, y con Jill McBain (Claudia Cardinale), que viene desde Nueva Orleans a vivir con su marido que tiene unos terrenos cerca del pueblo. Cuando la hermosa Jill llega a casa de su marido se encuentra con la terrible escena de su cadaver y el de sus tres hijos. Las pruebas apuntan a que ha sido obra de Cheyenne y su banda. Perseguido por un delito que no ha cometido Cheyenne visita a la viuda de McBain para aclarar las cosas. Es un forajido pero jamás mataría a un niño. El verdadero culpable es Frank y sus hombres, quienes trabajan para Morton (Gabriele Ferzetti) un adinerado hombre de negocios que está ampliando el ferrocarril. Pero las vias pasaran por los terrenos de McBain por lo cual manda a Frank a extorisonar y asustar a la familia. Pero este comete el error de matarlos a todos. Ahora Frank es perseguido por Cheyenne y “Armónica”, cada uno con sus motivos personales. Mientras Frank trata de quedarse con los suculentos terrenos de los McBain.

Rodada en 1968 y con casi 3 horas de duración es uno de los grandes westerns del cine y en particular de su director, Sergio Leone, que ya antes con la Trilogía del dolar (“La muerte tenia un precio”, “Por un puñado de dolares” y “El bueno, el feo y el malo”) redefinió el concepto del western. La que nos ocupa hoy es una historia que homenajea a muchas de las grandes producciones del western clásico, con directas alusiones a ellas, y con todos los elementos clásicos del género, pero pasados por el filtro de Leone. Una historia pensada por el propio Leone junto a Dario Argento y Bernardo Bertolucci, acompañada de la impresionante (y nada común en el genero hasta la llegada de Leone) música de Ennio Morricone, grande entre los grandes de la composición de bandas sonoras.

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Sin palabras. Así me quedé despues de leer el último número de Spiderman, que recopila los últimos cuatro capítulos escritos por J. M. Straczynski. La saga en cuestión se titula “Un día más” y, como bien indica la contraportada del comic, ha levantado ampollas.

La saga del trepamuros que más controversia ha levantado jamás, reunida en un único tomo lleno de extras, portadas alternativas y entrevistas con los autores. Spiderman se embarca en una misión de la que no puede salir victorioso: salvar la vida de su querida tía May, la persona que, incluso en sus peores horas, siempre le recuerda quién es, quién fue y quién puede llegar a ser. ¿Hasta dónde estará dispuesto a llegar en su propósito? ¿Qué será capaz de sacrificar? Joe Quesada y JMS tienen en sus manos el futuro de Spiderman. ¿Qué harías tú si sólo tuvieras… un día más?

Bueno, antes que nada voy a poner en situación de lo sucedido antes de Un día más.

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Admito que no soy muy aficionado al cine mudo, pero la ocasión se merecía que hiciera un esfuerzo. La llamada de Cthulhu es posiblemente, y pese a sus tan sólo 46 minutos de duración, la mejor adaptación cinematográfica que se ha hecho nunca sobre la obra de H.P. Lovecraft.

La muerte de un destacado profesor de la Universidad de Miskatonic llevará a su nieto a investigar unos misteriosos hechos que parecen estar relacionados con el culto a una milenaria entidad extraterrestre: Cthulhu.

A lo largo del mediometraje (mediometraje, pensé que nunca iba a utilizar esta palabra) podemos ir viendo que todos los que se implican demasiado en esa trama de dioses primigenios que existen pero que no existen, terminan encontrando una muerte rápida o perdiendo la cabeza.

La película fue grabada en 2005 y adapta el famoso relato homónimo de Lovecraft, escrito en 1926. El rodaje fue impulsado y producido desde la Sociedad Histórica H.P. Lovecraft de Estados Unidos, y en el se utilizaron modernas técnicas de grabación y elementos vintage para reproducir la estética de los filmes de la década de 1920. Debido a que el film quería aparentar haber sido rodado realmente en esa época, se optó por que la película fuese muda y en blanco y negro. La música que acompaña las imágenes también está inspirada en los sonidos clásicos que ambientaban estas producciones, dando a la película una atmósfera bastante peculiar.

El maquillaje de tez blanca, y ojos y labios pintados está bastante logrado, pero los personajes no están todo lo bien caracterizados que deberían. No sé si es porque yo de este tipo de cine he visto principalmente comedias (me remito en particular a las de la factoría Chaplin y Keaton), pero creo que los actores deberían ser más teatrales y sobreactuar más.

En resumen, un película que gustará a los fans de Lovecraft, pero no creo que sirva para conquistar a la señorita a la que has invitado a ver la peli y tienes al lado comiendo palomitas.

Ph’nglui mglw’nafh Cthulhu R’lyeh wgah’nagl fhtagn